Dans la Grèce antique, les pièces étaient jouées à l’occasion d’un événement religieux dans des théâtres où seuls les hommes respectés étaient autorisés à jouer, car à l’époque, les femmes et les domestiques étaient méprisés dans la société. Les théâtres, communément appelés arènes, abritaient une grande scène arrondie, entourée aux trois quarts par le public. C’est exactement comme cela qu’une scène était installée à l’époque grecque. L’amphithéâtre pouvait convenir à un public de 25 000 personnes à la fois, ce qui rendait extrêmement difficile de voir ce qui se passait pour le public situé à l’arrière. Pour surmonter cet obstacle, les vedettes étaient bruyantes, avec une voix grandiose et de grands mouvements, et pour être plus reconnaissables, elles portaient des masques et des vêtements symboliques. Les chœurs aigus étaient utilisés pour avertir d’un événement futur ou pour conseiller les acteurs. Pour renforcer la présence et donner une impression de réalité aux pièces, elles étaient jouées à la lumière du jour et un paysage authentique servait d’arrière-plan à la pièce.
Les théâtres de cette époque étaient plus petits que ceux de la Renaissance et pouvaient accueillir jusqu’à 500 spectateurs à la fois. Les phases étaient délimitées par des cadres embellis, mais sans rideaux comme à l’époque moderne. Les spectateurs ne se trouvaient pas à proximité de la scène, une petite phase dépassait de l’auditorium afin d’améliorer l’interaction entre le public cible et les acteurs.
Dans la Grèce antique, les pièces étaient présentées à l’occasion d’un événement religieux dans des théâtres où seuls les hommes distingués étaient admis, car à l’époque, les femmes et les esclaves étaient méprisés par la société. Les théâtres connus sous le nom d’arènes abritaient une grande phase ronde qui était entourée aux trois quarts par le marché cible. La scène à tablier avait un système en forme de rectangle avec pratiquement un public de 2 000 personnes entourant les trois côtés de la scène et se trouvait également à proximité des stars qui se produisaient sur la scène. Les marchés cibles n’étaient pas à proximité immédiate de la scène, une petite phase s’étendait jusque dans l’auditorium afin d’augmenter l’interaction entre le marché cible et les acteurs. Au cours des siècles suivants, la scène a évolué vers ce que l’on appelle la phase du proscenium ou de la structure photographique.
Au cours des siècles suivants, la scène s’est développée pour devenir ce que l’on appelle la phase du proscenium ou la phase du cadre d’image. Les rideaux ont été intégrés à cette phase et ont également permis de préserver l’intimité des spectateurs en modifiant les scènes, ce qui a permis de créer une représentation raisonnable et claire. La lumière de l’auditorium est atténuée pendant toute la durée de la représentation, ce qui favorise la concentration du public.
L’origine des arts du théâtre remonte à l’époque de la Grèce antique. Depuis lors, les différentes époques ont connu des changements dans les types de scènes de théâtre, ce qui a eu un impact sur les acteurs et a également généré diverses formes de jeu.
Au cours de la Renaissance, l’efficacité du théâtre a pris la forme d’une performance experte plutôt que d’une performance imaginative. Les Anglais ont commencé à dépenser dans des groupes de théâtre et des théâtres avec une scène à tablier. La scène à tablier disposait d’une plate-forme en forme de rectangle dont les trois côtés étaient bordés par un public de près de 2 000 personnes, qui restait également très proche des acteurs jouant sur la scène. Les riches aristocrates finançant les pièces, les costumes étaient plus détaillés et plus élégants. Les pièces étaient jouées le jour, ce qui donnait l’impression d’être dans la nuit, mais cette impression était renforcée par l’envoi de détails dans le cadre de la discussion de l’acteur, ce que l’on appelle l’environnement verbal. Les citoyens de toutes les sectes de la culture assistaient à ces pièces et un effort était fait pour satisfaire un large éventail de spectateurs en prenant en considération différentes intrigues.
Les spectateurs bordaient la scène de tous les côtés et regardaient la pièce. Les motifs de la plupart des pièces de l’époque étaient les événements quotidiens et les expériences de tous les jours, représentés sous forme de comédie paradoxale ou de comédie authentique, selon les goûts du marché cible. Cela développait une interaction entre le marché cible et les acteurs, le public partageant son point de vue sur le motif.
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